17 октября 2018Искусство
Гравюра, каллиграфия и живопись: Arzamas составил инструкцию, как смотреть японское искусство
Автор Анна Егорова
Европейцы познакомились с японским искусством во второй половине XIX века, после вторжения американской эскадры коммодора Мэттью Перри в 1853 году. На международных выставках оно произвело фурор, и в моду тут же вошло все японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво. И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю. Как же его понимать?
Периодизация японского искусства
Как нигде в мире, в Японии история искусства теснейшим образом связана с историей, точнее, с историей правящих династий. Основные периоды развития японской живописи:
- Ямато (VI – VII век);
- Нара (середина VII – VIII век);
- Хэйан (конец VIII – XII век);
- Камакура (конец XII – первая половина XIV века);
- Муромати (первая половина XIV – первая половина XVI века);
- Адзути-Момояма (вторая половина XVI века);
- Эдо (XVII – XIX век);
- Мэйдзи (конец XIX – начало XX века);
- современная японская живопись.
Каждый из периодов отличается по способу художественного выражения мира, манере письма, но неизменным остаётся преобладание пейзажей: это сквозной мотив искусства Японии. Каждый художник этой страны, от древнейших до современных, исполнен глубокого почитания природы как вечного источника жизни.
Наиболее интересны в художественном плане периоды Ямато, Муромати и Момояма.
Архитектурное направление
Изначально японская архитектура сводилась к постройке древних традиционных домов – ханива. Они создавались до IV столетия, и об их внешнем виде можно судить только по сохранившимся миниатюрным моделям из глины и рисункам, так как до наших дней они не сохранились.
Здесь проходила жизнь и быт обычных людей. Это были своеобразные землянки, накрытые сверху соломенным навесом. Его поддерживали специальные каркасы из дерева.
Позже появились такаюка – аналог зернохранилищ. Они тоже состояли из специальных опор-балок, что позволяло спасти урожай от стихийных бедствий и вредителей.
Приблизительно в то же время, в I-III столетия, стали появляться храмы древней религии синто в честь божеств, покровительствующих силам природы. Они чаще всего возводились из необработанного и неокрашенного кипариса, имели лаконичную прямоугольную форму.
Храм Исэ
Соломенная или сосновая крыша была двухскатной, а сами сооружения строились на столбах, окруженных павильонами. Еще одна характерная черта синтоистских святилищ – П-образные ворота перед входом.
В синто существует закон обновления: через каждые двадцать лет храм уничтожался, а на том же месте возводился практически в точности такой же, но новый.
Самый известный подобный храм называется Исэ. Впервые он был построен еще в начале 1-го тысячелетия и, согласно традиции, постоянно перестраивался. Исэ состоит из двух похожих комплексов, расположенных чуть поодаль друг от друга: первый посвящен силам солнца, второй – божеству плодородия.
С VI столетия в Стране Восходящего солнца начинает распространяться буддийское учение, пришедшее из Китая и Кореи, а с ним – принципы строительства буддистских храмов. Поначалу они представляли китайские копии, но позже в храмовой архитектуре стал прослеживаться особый, истинно японский стиль.
Сооружения строились несимметрично, как бы сливаясь с природой. Лаконичность и четкость форм, деревянный каркас вкупе с каменным фундаментом, пагоды в несколько ярусов, не слишком яркие цвета – вот что отличает святилища того времени.
Многие из них сохранились до наших дней. Памятниками архитектуры можно назвать Хорю-дзи начала VII века с его знаменитым Золотым храмом и еще 40 зданиями, Тодай-дзи середины VIII века в городе Нара, который и сейчас считается крупнейшим сооружением из дерева на планете. При этом буддистская архитектура тесно переплетается со скульптурой и живописью, где запечатлены божества и мотивы из жизни Учителя.
Храм Тодай-дзи
На рубеже XII-XIII столетий в государстве начался феодализм и потому стал популярным стиль синдэн, отличающийся парадностью. Ему на смену пришел стиль сеин, во главе которого стоит простота и некоторая интимность: вместо стен – почти невесомые ширмы, на полу – циновки и татами.
Тогда же начали появляться дворцы-храмы местных феодалов. Шедевры этого вида сооружений – известный Кинкаку-дзи XIV века, или Золотой павильона, а также Гинкаку-дзи XV столетия, он же – Серебряный храм.
Храм Гинкаку-дзи (Золотой павильон)
Вместе с дворцами-храмами в XIV-XV веках стало зарождаться садово-парковое искусство. Во многом его появление обязано проникновению в Японию созерцательного учения дзен. Вокруг храмов и крупных жилищ стали появляться сады, где главными составляющими были не только растения, цветы, но и камни, вода, а также песчаные и галечные насыпи, символизирующие водную стихию.
По всему миру известен уникальный сад камней Реан-дзи в городе Киото.
Еще один вид садов – чайный, который называется «тянива». Он окружает чайный домик, где проводится особая, неторопливая церемония, а к домику через весь сад проходит специальная тропинка. Появившись еще в Средние века, тянива повсеместно встречается и сейчас.
Суми-э
Эта техника рисунка тушью на рисовой бумаге, привезенная в XIII веке китайскими монахами, иначе называется еще суйбоку, суйбокуга. Японские художники довели её до совершенства: монохромные пейзажи кажутся написанными акварелью. Типичные сюжеты суми-э – горы и водоемы.
Ярчайшие представители направления:
- Дзёсецу. Монах, считающийся основоположником суми-э. Самое известное произведение – «Ловля рыбы тыквой».
- Тоё Сэссю. Его работы – эталон этой техники, яркий образец которой – «Пейзаж в стиле хабоку».
- Сэссон. Интересен не только творчеством, но и происхождением: он был самураем. В его пейзажах часто присутствуют животные, как, например, на картине «Обезьяны на скалах и деревьях».
- Хосэгава Тохаку. Благодаря ему стиль суми-э приобрел необыкновенную популярность. Одна из вершин его творчества – «Сосны».
Переходы и цветовые решения
Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.
Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.
Укиё-э
Так называются гравюры на дереве, характерные для городского искусства Японии. Их содержание перекликалось с сюжетами городской литературы. В центре внимания художников – люди: гейши, артисты театра кабуки, борцы сумо. Пейзажи в укиё-э появились гораздо позже. Наивысшего расцвета этот вид ксилографии достиг уже в XVII веке, а в XVIII появилась техника цветной печати.
Другие виды
Японское искусство многогранно, и о нем можно говорить часами. Расскажем еще о нескольких видах искусства, зародившихся в древности.
- Каллиграфия
Ее называют седо, что значит «дорога извещений». Каллиграфия в Японии появилась благодаря красивым иероглифам, которые были заимствованы у китайцев. Во многих современных школах она считается обязательным предметом.
- Хайку, или хокку
Хайку – особая японская лирическая поэзия, появившаяся в XIV столетии. Поэта при этом именуют «хайдзин».
- Оригами
Это название переводится как «бумага, которую сложили». Пришедшее из Поднебесной, оригами поначалу использовалось в обрядах и было занятием для знати, но в последнее время распространилось по всему миру.
Древнее искусство оригами в Японии
- Икебана
Слово в переводе означает «живые цветы». Подобно оригами, икебана изначально использовалась в ритуалах.
- Миниатюры
Два самых распространенных вида миниатюр – бонсай и нэцкэ. Бонсай – это копии настоящих деревьев в сильно уменьшенном виде. Нэцке – небольшие фигурки наподобие брелоков-талисманов, появившиеся в XVIII-XIX веках.
- Боевые искусства
Они в первую очередь ассоциируются с самураями – своего рода рыцарством, ниндзя – убийцами-наемниками, бусидо – воинами.
- Театральное искусство
Самый известный театр, гордость всех японцев – классический театр Кабуки. Подробно про театральное искусство в Японии вы можете почитать здесь.
Театр Кабуки в Японии
Художественная школа Кано
Её влияние выходит далеко за пределы Муромати: 300 лет род Кано почти безраздельно царил в японской живописи. Этому немало способствовала поддержка сегуната, официальными художниками которого были представители школы, начиная с основателя – Кано Масанобу (1434–1530). Он разработал собственный оригинальный стиль, взяв за основу суйбокуга и добавив легкую подсветку минеральными красками.
Создателем же фирменного стиля Кано стал сын Масанобу – Мотонобу (1476–1559). Он соединил письмо тушью и использование красок, но самое главное – в его творчестве получила развитие национальная традиция ямато-э. Мотонобу оказался ещё и удачливым предпринимателем: он открыл сеть художественных студий, которая разрасталась год от года.
Внука Монотобу – Эйтоку (1543–1590), можно, пожалуй, считать лучшим мастером школы Кано. Ширмы – неотъемлемый элемент японских интерьеров – в его исполнении стали символом изысканной роскоши Момояма и живописным стандартом на годы вперед. Сложный, тщательно прописанный на золотом фоне пейзаж насыщен множеством тончайших деталей, ускользающих от беглого взгляда, но завораживающих при внимательном рассмотрении.
Последний выдающийся представитель Кано – Сансецу (1589–1651), который работал уже в эпоху Эдо, когда модной стала строгая простота. И хотя он по-прежнему занимался золотыми росписями, славу ему принесли картины, выполненные тушью.
Школа Кано представляет собой цельное явление, несмотря на огромное количество художников, принадлежащих к ней. Тематика картин охватывает все традиционные мотивы – пейзажи, животных, бытовые сценки. Превосходны выполненные мастерами Кано монохромные росписи по шелку, для которых характерно сочетание реалистичного переднего плана и отвлеченного – второго: на нём изображались облака, волны, туман.
В XIX веке, когда Япония перестала быть замкнутой в себе и скрытой от мира, она некоторое время находилась под сильным европейским влиянием. В искусстве это проявилось конкуренцией традиционного и западного стиля. Но эта борьба довольно быстро угасла, и классическая японская живопись снова заняла центральное место в культуре страны.
Про личный опыт
— Расскажите немного о ваших учениках.
Мы начали занятия в 2014 году, и уже выросла целая армия учеников. Многие теперь и сами преподают. Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами. Это здорово, что люди обрели любимое занятие. Особенно для женщины очень важно заниматься творчеством. Женщина ведь центр семьи, от нее зависит, какая атмосфера будет дома. Если она гармонична, то через нее любовь распространяется на всех членов семьи.
Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами.
— А как планируете свое время?
Конечно, свободного времени мало. Пишу планы на неделю вперед. При этом у меня подвижный график. Я бы не смогла ходить каждый день на работу от звонка до звонка. Мне нравится быть в движении. Я сама планирую свое время. Для подготовки к своим занятиям я рисую методический материал. Работаю очень много, помимо преподавания суми-э я занимаюсь детской акварельной иллюстрацией. В итоге у меня остается один день выходной, в который я привожу дом в порядок. И, естественно, я нахожу время, чтобы посвятить его себе, семье, ребенку. Дочка иногда на меня обижается, мол, мама, ты вся в работе, подойди я тебя обниму! Она у меня высокого роста и мы сейчас поменялись местами. Я у нее сижу на коленках, это так забавно: «мама, иди ко мне, посиди у меня на коленках»:)
— Расскажите о ваших планах и вдохновении.
Планы очень большие: хочется сделать книгу постадийного рисования суми-э. Я знаю, это очень актуально и будет востребовано учениками. Отдельные выборочные уроки есть, их можно найти в интернете. Однако полноценного учебника-пособия еще не издано.
Вдохновляет буквально все! Природа, книги, детские рисунки… Ребенок поставил кляксу, расстроился, а я говорю: «Смотри это же не клякса, это птичка!» – пара штрихов – и уже улыбка на детском лице! Вот так учишь их в каждой кляксе увидеть объект, и понять, что всё и всегда можно исправить. Искусство призвано нести свет в глубины человеческого сердца. Когда человек начинает заниматься искусством, он не чувствует бессмысленность своего существования, его жизнь наполняется радостью и светом. Вот это здорово! Человек творит искусством другую реальность. И он может ее создать такой, какой хочет.
— Какова ваша жизненная философия?
Любовь, творчество, дети – вот три кита, на которых все держится. Я люблю детей, люблю творить, я человек, который находится в чувствах. Любовь для меня важна, так как ничто не питает творческого человека так, как любовь. Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.
Для меня очень важно отношение к людям. Мне хочется, чтобы рядом со мной было хорошо и комфортно. Ведь от нас остается шлейф, ореол от общения, и я хочу, чтобы уходя с моих занятий, мои ученики несли вместе с собой атмосферу теплоты и уюта.
Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.
